很多人在写心得体会时，常常会感到无从下手，其实可以从简单的感受开始，将心得体会转化为行动计划，才能真正发挥其指导实践的价值，下面是69模板网小编为您分享的画创作心得体会6篇，感谢您的参阅。
画创作心得体会篇1
这一个学期的书法与上个学期不同，主要学习的是行书，而且不仅仅是行书的临摹，更是在临了一段时间的帖子后，在其基础上加入了自己的创作，包括作品的形式与内容。
书法，经过历代先民或书家的摸索研究、学习实践，终于确认了表现汉字之美的不外五大书体，篆书、隶书、楷书、草书、行书，而且总结了一整套的“法”——“笔法”，而这五大书体又离不开线条，线条之于汉字书法确为关键因素，没有线条即没有汉字，没有线条的变化，即没有汉字美的结体变化，更无美的章法和艺术风格的变化。
不同的书体，有着不同的审美情趣，即便是同一作者所为，也依然需要使用不同的方法去处理。就像一个人的性格可以有多面一样，同一位作者的笔下同样可以呈现不同种类的书体和面目繁多的风格情趣。虽然目前只临摹过苏轼的行书，但老师建议我们学习两三个不同书法家的行书字帖，即使是楷书也最好多学习几种。
学练书法，要练用笔，要练结体。学用笔、学结体，首先需要入帖，先入帖，先继承，但继承不是最终目的，我们的目的是创新，但没有前面的继承，又怎样谈创新呢？创新需要出帖，不是一种帖，需多种帖，那就需要学习别人的东西，集多个人的优点，融会贯通，结合自己情况，创出新风格，写出新特点。
书法的结体，将横线缩短，竖线拉长，就出现了长体造型的汉字——小篆；将横线左右拉长，竖线缩短，就出现了扁体造型的汉字——隶书；将线条做对比不大的平正规整组合，就出现了正方型或长方型的汉字——楷书；将线条做不规则的恣肆组合，就出现了形体多变的造型——行书、草书，而且用笔轻重、行笔快慢、用墨浓淡、线条粗细、毫锋软硬都对线条、章法风格特点产生影响。
我其实挺仰慕那些卓有成就的大家，在他们的笔下一切内在的东西都是相通的，尽管形式多样书体各异，但其蕴涵的大的审美气息却能一脉贯通，随意点染都能显现自己独有的风神。我想，那一定是书家的内外修养达到了某种较高境界后的自然结果；至于自己目前行书章草魏碑等“不相往来”的格局，也希望随着技法的日益磨砺、功力的不断积累，乃至于其他修养的逐步加强而会有所改观。所以更高层次的书法语言，已经不再是笔法字法的特点，也不是章法墨法的习惯，而是充盈在其中、无处不在的神采和气息。这些，才是需要我们用毕生精力去追求的。
画创作心得体会篇2
创作心得体会及感想应由本人根据自身实际情况书写，以下仅供参考，请您根据自身实际情况撰写。
作为一名创作者，我深知创作的过程是充满挑战和困难的。在创作过程中，我遇到了许多问题，如缺乏灵感、写作困难等。但是，通过不断地尝试和努力，我逐渐克服了这些困难，并最终完成了我的作品。
在创作过程中，我最大的收获是学会了如何深入思考和发掘。通过不断地思考和探索，我逐渐找到了作品的核心，并不断地完善和优化作品。同时，我也学会了如何与他人合作和交流，这使我更好地理解了团队合作的重要性。
此外，我还深刻地认识到了创作过程中遇到挫折和困难时的心态调整。在创作过程中，我曾经遇到了许多挫折和困难，但是我始终保持积极的心态，不断尝试和努力，最终成功地完成了我的作品。
最后，我认为创作者应该始终保持对创作的热情和兴趣。只有对创作充满热情和兴趣，才能不断地发掘新的创意和灵感，并不断地完善和优化作品。同时，创作者也应该不断地学习和探索，以不断提升自己的创作能力和水平。
总之，创作是一项充满挑战和困难的过程，但是只有通过不断地尝试和努力，才能获得真正的成就和收获。我相信，在未来的创作道路上，我会继续保持对创作的热情和兴趣，不断地发掘新的创意和灵感，并不断地完善和优化自己的作品。
画创作心得体会篇3
人们熟知苏东坡的一句诗，“论画以形似，见与儿童邻。”其实，东坡还说过：“有道而无艺，则物虽形于心，不形于手。”胸中之竹，毕竟不等于手中之竹。王国维所说的大家之作“其辞脱口而出”，白石老人作画的所谓“一挥”，都是学化于才、熟而能巧的结果。齐白石早年临摹金农的画作，惟妙惟肖;为了画好昆虫、鱼虾，他长时间地观察写生。老人的画，那几片叶茎，看似粗犷随意，却搭配得那么精巧，你要移动一点点都不行。这些，充分说明“大家之能得心应手，正先由于得手应心”。傅山说“宁真率、毋安排”，不是说不要谋篇布局、意在笔先，其意应是“极有布置而了无布置痕迹”，徐青藤的这句话透露了天机，正像韩退之诗中所描绘的那样：“草色遥看近却无”。
东坡论书“无意于佳，乃佳耳”。学习书画的人，没有不想自己的笔下呈现佳作的。长期艰苦地学习训练正是“有意于佳”的真实写照。但在艺术创作过程中，对于具备一定水平的书画家来说，只有在放下思想包袱的前提下，才有可能意笔交融，心手两忘，从而造就真正的佳作。“有意于佳”只是基础，“无意于佳”才是境界。一个为获得更大市场份额而改变初衷讨好买主的作者，他丢失了艺术家最为宝贵的东西，又怎能产生真正的佳作?刘熙载早已指出，“书非使人爱之为难，而不求人爱之为难。盖有欲无欲，书之所以别人天也。”
此外，一件作品的成功往往不在作者的有意处，而在其无意处。戴熙说：“有意于画，笔墨每去寻画。无意于画，画自来寻笔墨。有意盖不如无意之妙耳。”陈曼生也说：“凡诗文书画，不必十分到家，乃见天趣。”有时，有意着力的地方，偏偏导致了天趣的流失，在战术上，虽属锦上添花;在战略上，已是画蛇添足。
即便是优点，过分地强调或表现得不是地方，也会变质变味。恽南田论画“习气者，即用力之过”，强调“宁恒见不足，毋使有余”，正是这个道理。相反，局部的瑕疵，有时并不妨碍作品整体的成功，恰如黄庭坚所言：“殊不知西施捧心而颦，虽其病处，乃自成妍”。
中国书画注重功夫，熬出来的功夫。宜乎日积月累，水滴石穿;最忌浅尝辄止，一曝十寒。学生抱怨老师：您老是要我夯实基础，别人的墙已经砌得老高了!他不懂老师对他的殷切期望和良苦用心!
岁月的力量不容忽视，《书谱》所谓“通会之际，人书俱老”，哲理深刻。以为别人几十年走完的路，自己几年、几个月就能走完，是幼稚。艺术学习、艺术创作和艺术发展自有其规律，这些规律又是无情的。违背规律的催长、“打造”和走捷径，只会得到与初衷相反的结果。
从较长的时间看，书画家们对艺术的追求，好比接力赛，更像是“马拉松”。起跑时人头攒动密密麻麻，能跑完全程者却已不多，能打破纪录者更是寥寥。那些开始不久就在领跑的选手，往往难以“领”到最后，甚至难以跑到终点。有人说“赢在不该赢的地方，比输在不该输的地方，输得更彻底”，不无道理。
一种艺术风格、一种个人面目的成立，既要得到人们的认可，更要经得起时间的检验。陆游在《学书》一诗中说得好：“即今讥评何足道，后五百年言自公。”要想真正在艺术上取得成就的人，必须具备这样的眼光和气度，不计较一时一事，而能够“咬定青山不放松”，坚持不懈、自甘寂寞。
画创作心得体会篇4
通俗文学无非是一些情感小说、冒险小说、侦探小说等，另外就是科幻小说，除此之外国外还盛行魔幻小说这一题材。这些对我的吸引力都不是很大，我想写写有自己特色的东西。托尔金的魔戒系列对我的影响很大，他凭借自己无与伦比的想象力为我们勾勒了一幅宏伟的中土世界画卷，让全世界都为之疯狂。我想像他一样靠着自己的想象力，为世人构建一幅恢弘壮丽的图景。同时为使我的创作得以升华，作品应该融入对人性的探讨，而不是像现在绝大多数的作品一样只停留在感官的刺激层面。当世很多作品都以其诙谐幽默的语言针砭时弊、痛斥人性，值得借鉴，比如斯蒂芬金的绿里奇迹和迷雾。但是这毕竟是西方世界的世界观，中华文明博大精深，对于文学创作来说是一个巨大的文学宝库，有无穷无尽的灵感来源，在同一文化背景下的人们更加易于接受。想象力与中国古典文学的结合会是一个不错的选择。
然而，创作需要写作人员具备一定的`社会文化知识背景，才能有感而发、有话可说、言之有物，才不会空洞、贫乏。因此，最擅长的才是最适合自己的。于我而言，没有特别丰富的人生经历，也不是什么拥有独特技艺的匠人，既没有见过什么大场面，也没有自己的一技之长，甚至连想象力也不丰富，写作无疑是一个巨大挑战，更加需要好好地构思。
画创作心得体会篇5
中国书法源远流长，它以方正端庄的结构、线条优美的造型、风格各异的体势、内涵深邃的意境，显示出中华文化的博大精深。
它虽历经上下五千年、绵绵日月而不衰，具有亘古不灭的生命力。
不仅是华夏文明的国粹，更代表中国的文化精神。
要学好书法，首先要临帖。
中国的书法艺术源远流长，累积有五千多年的优秀遗产，任何书家，都只能在学习和继承先人的前提下创新自立。
学书法，就得临帖。
入门需临，变体也需临。
读帖则是一种心功，这种功夫看似轻巧，实际比手的训练更难。
它是一种默临、默记，是一种揣摩，是实现从钩、摹、临的“入帖”到得其字帖的神韵、势度、用笔、行气或结构布局技巧的“出帖”之道。
鉴于本次开课《泰山刻石研究》，谈一下这四周的书法临帖、读贴及创作的心得体会。
一、临帖
中国书法强调内外功结合，内功是基础，贵在一个“功”字，而外功则是修养。
临帖练字是书法的字内功夫，所谓“笔突万支”“笔冢成山”，讲的就是字内功夫的修炼。
在这个阶段，学书者通过毛笔这种特殊的书法工具，从文字的点画俯仰之中，从线条的抑扬顿挫之间，去感受笔情墨趣。
这个阶段需要较长时间的临帖习字，反复揣摩其字形结构方能奏效。
经过长时期的练习，从泼墨染翰之中去采撷天地正气，就会感到一种禅意的祥光在心中漫射开来，从而获得胸怀的舒展和放达。
四周临帖的体会：
1、运笔（中锋、侧锋，露锋、藏锋，方笔、圆笔，按笔、提笔）
成熟的艺术往往具有比较严苛的规范和普遍适用的方法、技巧。
运笔的技术，根据不同的时期、不同流派、书法家的书写习惯等不同，形成了所谓不同的笔法，“中锋”与“使其中锋”本身就是传统论述中关于笔法的重要核心部分。
2、笔顺
谈线条、谈构型、谈布白，同时还要关注笔顺。
所有的'线条不是同时呈现在纸上的，是有先后的呈现，并且这种先后次序不是无关紧要的，不是拆破打散随便安排都可以的。
3、速度
初临帖宜缓宜逼真，这是毋庸置疑的道理。
书写的速度，缓慢不羁仅仅在笔画运行时，更多的时间应该花在下笔和下笔前的准备。
古人说凝神敛气，不是夸张。
当你握笔紧张，手都在颤抖，呼吸急促，肺部收缩，如何能写得好呢？必然不能着急下笔，需要调整好呼吸后，以最放松的姿态，自然舒适的写出这一笔，完结之后，再准备下一笔。
久而久之，加上读书的功夫，最终需要养成的是一种静气，自信而淡定。
4、姿态
人可贫，而行为不可猥琐，书不佳，唯姿态不肯让人。
字已不佳，更无赴急草率的资笨，更要讲求书写时的姿势，头正身直、臀平足安。
二、读贴
读帖，可使自己更多地了解各家各派书风，从而融会贯通选择，创立自己的风格。
实际上，读比临、比写都要多得多。
读可以“破万卷”而临摹再多，于几千年累积的优秀碑帖，也不过凤毛麟角，书道中的“厚积”，非同小可。
这段时间从图书馆借阅了大量的书法临帖，从书写毛笔字的三要素中体味每一笔在这个字中的行气、势度。
老师还亲自带我们去岱庙、经石峪考察，观看历代书法大家的石刻作品，风格各具特色，独树一帜。
虽然他们的风格各异，却是同样的拥有一种气势，磅礴有度，能感觉到是用心写出来的字。
身临其境，方能感受其神韵。
三、创作
在临帖与读贴的基础上，选择适合的字体创作具有自己风格书法作品，通过书法表达一种心声。
书法是一种高度抽象的笔墨线条造型艺术。
我在每次书法创作前，首先选择适合自己的书写内容，然后设计章法，把每个字的写法、每行字的大小布白都考虑好以后，再进行对帖临习，以唤起自己的创作灵感，进入角色，然后把事先选择好的书写内容进行作品创作。
画创作心得体会篇6
纵观绘画艺术的发展，从古埃及壁画开始，绘画创作的一步步演变，可以看出，绘画创作一开始的目的是为了真实的描述社会现象，作为比文字更早出现的东西，它们负责记录，随着时间的发展，绘画开始有了新的目的，透视的发现与完善，让绘画创作更加接近于准确的表现出客观存在的东西，也就是写实。我们可以看到，文艺复兴时期的绘画作品，对于自然风光、人像的描述精准且美妙。然而随着时代的发展，科技不断进步，摄影技术越来越完善，写实已经无法满足画家了！写实主义重点在于真实的描绘客观事物，而人们欣赏时往往死抠细节而忽略画作背后画家的思想与情感，于是他们像更能表达自己思想的领域进军！
于是印象派、抽象派等等更加大胆抽象的风格如雨后春笋般出现了。它们用色大胆，打破常规，往往让人一眼看上去满头雾水不知所云；然而又是那么的和谐美丽，画作中隐藏着一个个扣人心弦的故事。
长期以来绘画创作的本质一直是画家研究和探讨的主要问题，画家总是会在创作题材、形式上煞费苦心。怎么才能创造出优秀的绘画作品是画家一生都在研究的问题。画家的个人品质和生活情趣影响着画家的绘画表达形式和语言。
在艺术的世界里，画家的气质往往决定了画家绘画作品的艺术语言；画家的情感与智慧决定了作品的好坏，可以说气质与情感 智慧是绘画作品创作的基础。
每一个画家都有自己独特的绘画风格，每一幅画都表达了画家不同的内心情感。可以说画家的每一幅画都是不可复制的，是独一无二的。在绘画艺术实践中，有什么样的气质，就会有什么样的绘画语言。可以说气质决定了画家的绘画语言。首先，独特的气质来源于独有的个性和独有的成长环境。梵高出生于荷兰乡村的一个新教牧师家庭，早年的他做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士。他充满幻想、爱走极端，在生活中屡遭挫折和失败，最后他投身于绘画，决心“在绘画中与自己苦斗”。他早期画风写实，受到荷兰传统绘画及法国写实主义画派的影响。1886年，他来到巴黎，结识印象派和新印象派画家，并接触到日本浮世绘的作品。视野的扩展使其画风巨变，他的画，开始由早期的沉闷、昏暗，而变得简洁、明亮和色彩强烈。而当他1888年来到法国南部小镇阿尔的时候，则已经摆脱印象派及新印象派的影响，走到了与之背道而驰的境地。在阿尔，梵高想要组织一个画家社团。1888年，高更应邀前往，但由于二人性格的冲突和观念的分歧，合作很快便告失败。此后，梵高的疯病时常发作，但神志清醒时他仍然坚持作画。1890年7月，他在精神错乱中开枪自杀，年仅37岁。
这位易激动而富于神经质的艺术家，在其短暂一生中留下大量震撼人心的杰作。他的艺术，是心灵的表现。他曾说：“作画我并不谋求准确，我要更有力地表现我自己”，他并不关注于客观物象的再现，而注重表现对事物的感受。亨利〃福西隆在论述凡高时说道：“他是他时代中最热情和最抒情的画家。……对他来说，一切事物都具有表情、迫切性和吸引力。一切形式、一切面容都具有一种惊人的诗意”，“他感到大自然生命中具有一种神秘的升华，他希望将它捕捉。这一切对他意味着是一个充满狂热和甜蜜的谜，他希望他的艺术能将其吞没一切的热情传达给人类”。为了能更充分地表现内在的情感，梵高探索出一种所谓表现主义的绘画语言。他认为：“颜色不是要达到局部的真实，而是要启示某种激情。”在他画中，浓重响亮的色彩对比往往达到极限。而他那富于激情的旋转、跃动的笔触，则使他的麦田、柏树、星空等，有如火焰般升腾、颤动，震撼观者的心灵。在他的画上，强烈的情感完全溶化在色彩与笔触的交响乐中。
早期作品受印象主义和新印象主义画派影响，代表作有《食土豆者》、《塞纳河滨》等。曾两次在咖啡馆和饭馆等地向劳工阶层展出自己的作品。不久厌倦巴黎生活，来到法国南部的阿尔勒，开始追求更有表现力的技巧；同时受革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，以达到线和色彩的自身表现力和画面的装饰性、寓意性。
梵高的作品在很长一段时间内并不被世人所接受,直到十九世纪末的时候世界正进行着一次全面的革新，人们的思想得到空前的变革，接受新事物的能力也大大的提高。而过去相对于印象派较为超前的梵高，此时正适应了人们的审美需求。凡高他对大自然有着火一般的热情，具有一种如火山般狂热爆发的个人气概。这种热烈疯狂的气质来源于他笃实虔诚的性格和不入俗流的个性情操，也就形成了他独有的艺术气质。凡高成长于一个牧师家庭，成年后他也成为一名牧师，在为矿区的工人祈求上帝给予他们食物时却饿起了自己的肚子，把这种情绪用一种什么东西表达出来呢？于是他就拿起画笔，来描述矿工，反映他们的生活，以唤起人们去拯救自己，这样就产生了矿区素描。 这是他的一张作品，我们可以看到他的线条是那样粗重，实在拙笨，但恰到好处,。阿尔的明丽日光、太阳的儿子向日葵金灿如火的花盘使凡高发疯，纯纯的土黄、中黄、柠黄直接上到画面上，纯色勾出的线条是狂热激情的喷发，至今我们还被那瓶金黄灿烂的向日葵激动着！凡高的个性语言就是在他独有个性气质与自己情感撞击的生活环境中形成的。其次，独特的气质直接对应独有的情感世界，个性的情感丰富强化了作者的气质，更完善了个性的艺术语言。八大山人是我国著名的花鸟画家，他是前明帝室之胄，对明王朝怀有无限眷恋，对满清王朝有着骨子里的反感，因此，形成了他避世孤傲、蔑视清庭的个性气质。他画的水鸟或仙鹤眼睛都向上翻着，甚至他的怪石也如同人一样露出蔑视之态，这独特的个性语言符号让人过目不忘。当人们看到八大的画，不必看署名，便一目了然。由此可见，在绘画艺术创作中，对于一个画家，有什么样的个性气质就会有什么样的个性绘画语言。
一幅优秀的绘画作品，应该能与参观者产生心灵上的共鸣。。所以，“真情实感”是艺术作品感染人的关键所在。这里的真情实感是指不忸怩作态，而是自然生发的作者的创作冲动。毕加索在血淋淋的国内战争时期，挥汗创作的鸿篇巨制《格尔尼卡》，虽然运用了立体分析的手法，但那对战争控诉，那如西班牙凶残牛头对生灵蹂躏、践踏，人民在哀号的表现，让每个欣赏者都被拉回到那个时空中，把他对和平的热爱对内乱者的控诉之情凝固于画布之上，至今都会让人为之感动。
中国当代著名画家吴冠中先生的江南水乡作品，把我们从作者情感物化的画布上带到了秀逸迷人的江南水乡，那鲜明的白墙黑瓦和水中的红鱼、小舟让人自然联想到 “江南好，风景旧曾谙”的优美自然风光，这源于作者对家乡的热爱之情。这种“低头思故乡”之情结与“举头望明月”之思绪，在他举头握画笔之时的强烈思乡、恋乡、爱乡之情感宣泄于画布上，所创作出别具一格的作品使多少人为其作品放大瞳孔！真情感于人，真情出于人，人所共知，人所共有，这才是绘画作品真正打动人类灵魂之所在。画家正是结合自我的情感取向，开动自己的智慧头脑创造自己的艺术语言的。林风眠创造了中西合壁的独一无二的绘画新风格，新语言，是中国当代著名的绘画大师，他对中国画中特有的墨线非常感兴趣，同时又痴迷于西洋油画凡高的如流淌式的狂热色彩表现，巧妙地将二者结合起来。艺术创作的本质所在，就是画家把自己的真情感与独有的智慧相融合，也即把自己的情感与智慧凝固于画面上，去感染人，让人在赏心悦目中进一步欣赏画家智慧的哲思与创造。
每一个画家拥有不同的生活体验，不同的情感世界，所以， 在他们的作品中我们可以感受到不同的绘画语言及绘画形式，可以说绘画作品是画家个人品质情感与智慧的综合体现。一个画家要想创作出优秀的作品，应该不仅仅在绘画技能上锻炼自己，还要培养个人的艺术修养，要热爱生活，用心去体会这个五彩斑斓的世界。
一般人看绘画作品，能够欣赏的是写实的作品，而对看上去色彩运用像儿童画那般纯的画和将事物分解重组的抽象画难以理解和欣赏。这之中蕴含的画家的情感需要有一定的人生阅历才能够感受。从我这个年龄来说，生活的苦难只流于纸面，我明白它在字典中的含义，却无法切身感受到，所以对待绘画作品的欣赏
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